Is isolatie goed voor kunstenaars?Khara Woods/Unsplash We bevinden ons op een vreemd moment in de tijd, een moment waarop we geïsoleerd moeten blijven. En terwijl de wereld zoals we die kennen stand-by staat, moeten we nog steeds onze dagen vullen en proberen genoeg geld te verdienen om rond te komen. Sommige mensen hebben het geluk om hun werk vanuit huis te doen, anderen hebben verlof gekregen totdat de normale gang van zaken terugkeert, terwijl velen volledig zijn ontslagen. Creatievelingen bevinden zich in een vreemde positie waarin ze, althans in theorie, kunst kunnen blijven produceren in de ruimtes waarin ze leven. Het internet staat vol met suggesties over wat te doen tijdens zelfisolatie, hoe de tijd te doden, hoewel de mythe van de kunstenaar suggereert dat creatievelingen nogal gewend zijn om geïsoleerd te zijn en er minimaal door worden beïnvloed. De waarheid over waar deze perceptie vandaan komt, is eigenlijk veel interessanter dan de fabel van de gekwelde, teruggetrokken kunstenaar die het voortbracht.
Vrijwillige isolatie is een goede manier geweest voor kunstenaars, historisch en vandaag, om vrede te vinden om te creëren, weg van de geruchten, bureaucratie en het algemene lawaai van het leven. Renaissance-architect en kunstenaar (en de peetvader van de kunstgeschiedenis) Giorgio Vasari ging graag naar een klooster op het platteland van Toscane waar ik, zoals hij schreef, geen betere plek had kunnen vinden om mezelf te leren kennen. Het was tijdens een van zijn eerste bezoeken daar, een periode van twee maanden, dat hij een Maagd en kind met heiligen Johannes de Doper en Hiëronymus en dit bracht de monniken ertoe een heel altaarstuk van hem te bestellen.
Gedurende deze tijd verlieten degenen die in staat waren de drukke steden waar een plaag zich snel verspreidde. Terugtrekken in boerderijen, kloosters en plattelandsomgevingen, weg van groepen mensen, was een van de beste preventieve maatregelen tegen ziekten - artsen waren in die tijd niet toegerust om andere bewezen maatregelen aan te bevelen om zichzelf te beschermen. In steden werden water en azijn als antiseptica beschouwd. Transacties in winkels waren beperkt tot het plaatsen van munten in een kom met water of azijn en het schuiven van de munten door een gleuf in een winkeldeur, waarna de winkeleigenaar de goederen terugschoof naar de koper. Fel gebed werd ook beschouwd als een goede verdediger tegen ziekte.
Historisch gezien waren kunstenaars in staat om werken in zelfisolatie te maken als het verband hield met het vermijden van ziekte, maar niet als het ging om het vermijden van oorlog en in situaties van belegering. In zulke tijden waren de zenuwen zo gewrocht en was materiaal niet beschikbaar, dat artistieke productie de neiging had enorm beperkt of onbestaande te zijn. In feite werden de meeste artiesten in dergelijke omstandigheden opnieuw toegewezen aan rollen als militair ingenieurs, waarbij Leonardo, Benvenuto Cellini en Vasari allemaal deze rol vervulden in tijden van conflict.
Het is deels dankzij de erfenis van Vasari dat we deze mythe van de geïsoleerde schepper hebben, via zijn invloedrijke boek uit 1550, Het leven van de kunstenaars, waarin de kunstenaar wordt afgebeeld als iemand die (letterlijk of figuurlijk) aan de rand van de samenleving leeft. Het daaropvolgende cliché dat het voortbracht, heeft ertoe geleid dat het privéleven van sommige kunstenaars een niveau van roem heeft bereikt dat zelfs verder gaat dan hun werk. Het beste voorbeeld is Vincent van Gogh, dat schoenenetende, oorverdovende gekke genie dat de cafés van Parijs schuwde - waar iedereen die wie dan ook in de kunstwereld was, zou rondhangen - en verhuisde naar Arles, in het diepe zuiden.
Van Gogh is de posterjongen voor de gekwelde, geïsoleerde, genegeerde kunstenaar, waarmee we de Ware Kunstenaar bedoelen. Hij zei dat het zijn zet was om dichter bij de kleuren te komen en weg van het grijs van Parijs, en legde uit dat het feit dat hij volledig geïsoleerd was en weg van mensen en alle mogelijke invloeden behalve zijn eigen visioenen, hem de dingen duidelijker deed zien. Dat volledige isolement hielp hem om in de zone , of voortdurend gebiologeerd, zoals Murakami onlangs het doel van zijn eigen zelfopgelegde isolement bij het schrijven van een nieuw boek. De waarheid is dat voor veel makers een ruimte waar ze alleen kunnen zijn met hun gedachten ideaal is. Schrijvers en kunstenaars gaan regelmatig op retraite, wat in wezen vrijwillige zelfisolatie is om werk gedaan te krijgen zonder de afleiding van het dagelijks leven. Maar laten we niet vergeten dat velen creëren in gedeelde studio's, op drukke campussen of in samenwerking met anderen.
Maar er gebeurt ongetwijfeld iets als we alles wat we hebben investeren in een langere periode van volledige onderdompeling in het proces van het maken van kunst - en weinig of niets anders. Tegelijkertijd duwen wij kunstenaars in veel gevallen zo diep in ons werk dat het voor ons onzichtbaar kan worden. Maar al te vaak verschijnt de uiteindelijke oplossing, die klik, die slag van het genie, de adem van goddelijkheid, wanneer alles (inclusief jij) van de vloer wordt getild, terwijl magie zich op je werk nestelt, alleen wanneer je je gezicht eruit haalt en een beetje ademen. Soms helpt het om het werk duidelijker te zien. Hoe vaak is een writer's block (of andere stations van het artistieke kruis) op magische wijze opgelost door een ongeplande afwijking, een onverwachte eetbui, een liefdesaffaire of gewoon een kopje koffie op een nieuwe plek, buiten de gewone routine? Isolatie is dus goed om grote delen van het werk gedaan te krijgen. Maar we hebben de ademruimte nodig om weg te komen van de tekentafel (letterlijk) om nieuwe doorbraken te maken, problemen op te lossen en de gratienoten te vinden die onze symfonieën completeren (soms letterlijk).
Het was toen Paul Gauguin, ooit een vriend van Van Gogh, soms een rivaal, tijd met hem doorbracht in Arles, dat beide kunstenaars echt doorbraken en bloeiden. Maar artiesten kunnen gevoelig zijn en er is een dunne lijn tussen kameraadschap en rivaliteit. Dit gezamenlijke verblijf veranderde hun vriendschap in een ramp, en omvatte die beroemde daad van Van Gogh die zijn oor afsneed, gevolgd door Gauguin die op retraite ging, ver weg van de bekende beschaving zoals hij het noemde - hij belandde in Polynesië.
Sommige kunstenaars hebben van zelfisolatie hun kunst gemaakt, niet alleen een voertuig om kunst te maken. Chris Burden bereidde een optreden voor ( Bedstuk, 1972) waarin hij zijn galeriehouder strikte instructies gaf om zich op geen enkele manier met hem te bemoeien. Toen verscheen hij op de galerij, lag daar in een bed en bleef daar drie maanden in volledige zelfopgelegde afzondering. Dit had extra weerklank voor hem omdat hij, na een zwaar auto-ongeluk toen hij 13 jaar oud was, negen maanden in bed moest doorbrengen om te herstellen. Verwijzend naar Burden sloot de Chinese kunstenaar Tehching Hsieh zichzelf een jaar lang op in een kooi in zijn atelier ( Kooi stuk , 1978-1979).
Het is een constante dans voor kunstenaars tussen isolement en sociale interactie. Als er te veel echt leven is, voelt het als interferentie en verlangen we naar tijd alleen om ons werk gedaan te krijgen. Maar alleen zijn met ons werk kan leiden tot muffe herhalingen. Pauzes en interacties verfrissen ons en geven onze creatieve sappen een kans om opnieuw te stromen. We hebben ook het gevoel dat onze carrières in gevaar komen als we geïsoleerd zijn en te lang werken - dat is een postmoderne zorg, dat je daar moet zijn om ervoor te zorgen dat de kunstwereld je herinnert en je relevantie behoudt.
Er is geen eenduidig antwoord op de balans tussen isolement versus socialisatie voor kunstenaars, maar we waarderen de vrijheid om te kiezen. Kies wanneer je wilt isoleren, kies wanneer je je wilt engageren. Het is een proces, een constante handeling van draadlopen.
Dus de vraag wordt, nu meer dan ooit, betekent isolatie dat ik betere kunst zal maken, of ondergedompeld zijn in de sociale draaikolk niet alleen mijn kansen om gezien te worden, maar mijn kunst beter en relevanter te maken? Het antwoord is beide. Het wordt nu benadrukt, omdat we niet in de sociale draaikolk kunnen duiken, behalve op sociale media, wat het onthoud mij-effect biedt, maar niet de positieve, verfrissende afstand tot je werk biedt waarmee je nieuwe ideeën kunt bedenken en kers op de taart kunt toevoegen. de taart van de oude.
Kunstenaars springen graag in extremen. Om af en toe zo ver mogelijk van iedereen weg te varen, terwijl je wordt ondergedompeld in alle mogelijke hoeken van de grote, complexe en gevarieerde parallelle projecten, tentoonstellingen, samenwerkingen, publicaties, presentaties en lezingen van de hedendaagse kunst. Kunstenaars willen laten zien wat we hebben gedaan toen we in een van onze geheime grotten waren, of laten zien dat we nu alleen kunnen werken als we drijven in een oceaan van informatie en beschikbaarheid... totdat we niet kunnen wachten om weer weg te gaan, dus we even op adem kunnen komen en alles kunnen waarderen. Er zijn veel clichés over kunstenaars, maar één is zeker waar: of ze nu extremen omarmen of niet, ze zijn een ingewikkeld stel - en daar zijn we beter voor. Zonder hun creatieve pogingen om zichzelf en de wereld te begrijpen, zouden we allemaal veel armer zijn.
