Om een concert te noemen, vooral dat van een zanger van religieuze liederen, is een onthulling meer dan cliché. Toch is er geen betere term om de eerste keer dat ik wijlen Nusrat Fateh Ali Khan zag te beschrijven.
In zijn bloeitijd was de Pakistaanse qawwali-zanger een van de meest gepassioneerde en fantasierijke vocalisten van zijn tijd, en die avond in oktober 1992 in het Sanders Theatre in Cambridge, Massachusetts, zong hij zijn soefi-devotionele muziek met volle overgave. Het doel van Qawwali is om mensen dichter bij God te brengen, en het horen van meneer Khan die woeste, kronkelende lijnen uitzond met je-moet-mij-een-grapje-me-ritmische flair, het was duidelijk dat er een soort van transcendentie plaatsvond. . Sommige mensen raakten zo opgewonden dat ze het brandalarm lieten afgaan en het gebouw moest worden ontruimd. Er ging bijna een uur voorbij voordat we weer naar binnen mochten, maar in de tussentijd ging niemand naar huis.
Ik zag Mr. Khan nog twee keer in concert, in het stadhuis in 1995 – waar ik naast de hondsdolle fan Jeff Buckley zat – en in Radio City in 1996. Bij die latere show was het duidelijk dat er iets mis was. Meneer Khan was nu zo zwaar dat hij op het podium geholpen moest worden. Zijn optreden, hoewel doorspekt met genialiteit, was relatief ingetogen. Binnen een jaar waren zijn nieren bezweken aan langdurige diabetes. Hij was 49 jaar oud.
Kort voor zijn dood ging Mr. Khan de studio in met producer Rick Rubin om acht tracks op te nemen die net zijn uitgebracht als een dubbel-disc set, The Final Studio Recordings (American/Legacy). Rubin lijkt misschien een vreemde keuze voor een qawwali-album, maar zijn recente werk met Johnny Cash laat zien dat hij afziet van het verwateren van traditionele muziek. Het geluid is hier helder en de tabla en het harmonium - de enige instrumenten naast de stem - worden hoog in de mix gepompt, des te beter om te horen hoe ze elke verbuiging van de improvisatievluchten van de zanger subtiel overschaduwen.
Op een paar sublieme uitzonderingen na, legt Mr. Khan het grootste deel van de eerste schijf achterover en laat het grootste deel van het vocale vuurwerk over aan zijn jongere broer, Farroukh Fateh Ali Khan, en zijn neef, Rahat Nusrat Fateh Ali Khan. (Volgens de familietraditie had Mr. Khan Rahat al benoemd tot zijn opvolger. Hij heeft zojuist een uitstekend eigen album uitgebracht, ook op American en geproduceerd door Mr. Rubin; hij zal 13 juni optreden in de Bowery Ballroom.) Op de tweede schijf lijkt Mr. Khan warm te zijn voor zijn taak, waarbij hij waaghalzen scat-gezang afvuurt terwijl het refrein achter hem vuriger wordt. Het is prachtig spul, maar het duurt even voordat je het doorhebt.
Mr. Khan was op zijn best wanneer hij zijn raspende, soulvolle stem naar het breekpunt en verder duwde, maar tegen de tijd dat hij deze nummers opnam, was hij te ziek om dat consequent te doen. Nieuwkomers in het werk van deze opmerkelijke man moeten eerst Shahen-Shah vinden, zijn debuut uit 1989 op Real World, of een van de vijf En Concert à Paris-schijven op Ocora. In tegenstelling tot de louter zeer goede Final Studio Recordings, bevatten die albums het soort muziek dat brandalarm doet afgaan.
–Mac Randall
The White Stripes: Great White Mopes
Er moet iets in de Schlitz zijn. Het Midwesten pompt sinds de jaren 50 auto's en graan en gevaarlijke chemicaliën weg en oogst na oogst van pasteuze hooizaden. Het is ook de strook van het land die zich het hardst heeft vastgeklampt aan een onbezonnen, gruizige vorm van witte rots - ongeacht het feit dat de meeste acts Engels waren. Tegen het begin van de jaren zeventig hadden ze zich allemaal gevestigd voor een langdurig gasfestijn dat nog moet eindigen. De MC5. De Stoogen. Neil Young. Zwarte Sabbat. De lijst gaat maar door en de meeste wandelende doden zijn nog steeds op de weg.
Het wordt dus hoog tijd dat we een nieuwe reïncarnatie hebben om de harten en geesten van onze cultureel uitgehongerde jeugd op te stoken. Voor alle Velveeta die het Midwesten heeft voortgebracht, komt het soms met een fijne Limburger - rauw, scherp, een beetje slordig. Dat zijn de Witte Strepen.
Sinds hun buzz-vriendelijke showcase op het South by Southwest Music Festival in Austin in maart, is dit broer-zus-duo uit Detroit naar de voorgrond geduwd van een nieuwe garagerocktrend. Wordt garagerock het volgende grote ding van muziek? vroegen de wags bij Entertainment Weekly zich onlangs af. Oh kom op. Iedereen heeft over de vogel gehoord. Het belangrijkste dat je over garagerock kunt zeggen, is dat er nooit iets nieuws aan is geweest; het genoot altijd van een blikkerige, uitgeklede, op blues gebaseerde skronk. Zanger Jack White, die gitaar en piano speelt terwijl zijn grote zus Meg op de drums beukt als een Sasquatch, lijkt dit tot in zijn botten te kennen.
Afgezien van hun modieuze voorliefde om zich alleen in wit of rood te kleden en de heilige namen van Blind Willie McTell en Loretta Lynn aan te halen, komen de White Stripes verfrissend ongekookt over op hun derde album, White Blood Cells (Sympathy for the Record Industry), met een een vleugje van de Buzzcocks hier (Fell in Love With a Girl), een vintage Iggy Stooge-geblaat daar (Expecting) en enkele van de beste crunche-riffs sinds Jimmy Page nog steeds de controle over zijn darmen had. En ze doen dit zonder iets van die vermoeide scuzz-rock-tude te projecteren die afkomstig is van Mr. Blues Punk His'sef, Jon Spencer.
Nou, het spijt me / Maar ik ben niet geïnteresseerd in goudmijnen, oliebronnen, scheepvaart of onroerend goed, verkondigt Jack White (zij het via teksten van Citizen Kane) tijdens een intermezzo in The Union Forever. Wat had ik graag willen zijn? / Alles wat je haat. The White Stripes klinken alsof hun dromen nog niet zijn verpletterd, en dat is een geweldige manier om door het leven te gaan.
–Jay Stowe
The White Stripes spelen op 16-17 juni in de Bowery Ballroom en op 18 juni in de Mercury Lounge.
Ron Sexsmith: Kleine jongen, blauw?
Het gebeurt de hele tijd in films: de zachtaardige dichter valt in de buurt van de rebel met een donkere ziel, en voordat je Sal Mineo kunt zeggen, wankelt het lammetje door zijn geboortestad in een leren jas, stinkend naar de plaats met bourbonadem en dime-store nihilisme. Voordat je je popcorn op hebt, is hij dood - een symbool van verloren onschuld, of zoiets.
Dit scenario kwam in me op toen ik zag dat de donkere prins van Nashville, Steve Earle, de baby-faced bard had geproduceerd van het nieuwe album van Ontario Ron Sexsmith, Blue Boy (Spinart). Eigenlijk was mijn eerste reactie: intrigerende combinatie. Zoals singer-songwriters zeggen, zijn Mr. Earle en Mr. Sexsmith enkele van de beste die we hebben, jongens die consequent vier minuten durende werelden creëren die net zo emotioneel levendig lijken als die buiten de deuren van ons appartement.
Toen herinnerde ik me dat deze mannen een aanzienlijk ander wereldbeeld hebben. Mr. Earle is een pragmaticus - zijn laatste album bevatte een prachtig nummer genaamd I Don't Wanna Lose You Yet - terwijl Mr. Sexsmith een optimist blijft, zelfs als hij in de schaduw ten onder gaat. Voor zover ik kan zien / Het donker ook / Draagt een dun gesluierde vermomming, zong hij op zijn uitstekende tweede album, Other Songs.
Het goede nieuws is dat Mr. Sexsmith geen Mineo trekt op Blue Boy. Mr. Earle sleept zijn liefde voor gelaagde Beatles-psychedelica, reggae en snaredrums naar binnen en geeft Mr. Sexsmith een muzikale schop onder zijn broek. Hoewel het album zijn sinistere momenten heeft (luister naar Parable, waarin de arme verliezer zich afvraagt: wat als die slechte winnaar / Were een klein ongelukje krijgen?), wint de openhartige romantiek van Mr. Sexsmith.
Die strijd tussen donker en licht vind je terug op het allereerste nummer This Song. Met een stem die klinkt als een soepele hybride van Van Morrison en Chet Baker, zingt Mr. Sexsmith over het brengen van een kwetsbaar nummer in deze wereld, waarbij hij herhaaldelijk vraagt: Hoe kan dit nummer overleven? Maar hij verklaart ook: I'll never leave this song alone / I'm gonna keep it / Safe and warm / For hate is strong / And duisternis gedijt.
Niet elk nummer op Blue Boy is een juweeltje. Het treurige orgel en de gitaarlijn van Cheap Hotel klinken geweldig, maar de teksten, over een vrouw die op de vlucht slaat voor haar gewelddadige echtgenoot, voelen bleek aan. Maar echte krakers zijn er niet. Mr. Sexsmith blijft zijn prachtig eenvoudige teksten inpakken met kleine verrassingen. Op Fallen gebruikt hij bijvoorbeeld het beeld van herfstbladeren om niet het voorspelbare spook van de dood te symboliseren, maar een intense liefde: En de bladeren hebben de greep verloren / Van de takken zoals altijd / Die ons met goud achterlaten / En wijnkleurig paden / Op dezelfde manier ben ik voor jou gevallen.
Er zijn momenten - zoals op Don't Ask Why en Just My Heart Talkin' - wanneer de muziek zo klinkt als die van Mr. Earle dat je half verwacht zijn wereldvermoeide stem over de jankende gitaren heen te horen. Dan komt meneer Sexsmith opdagen en laat hij je geloven dat optimisten kunnen opereren in een gevaarlijke wereld.
- Frank DiGiacomo
