Martin Scorsese's Gangs of New York, naar een scenario van Jay Cocks, Steven Zaillian en Kenneth Lonergan, gebaseerd op een verhaal van Jay Cocks, is naar verluidt geïnspireerd door Herbert Asbury's kroniek uit 1928 Gangs of New York, die de heer Scorsese meer dan 30 jaar las geleden, veel later deelde hij zijn enthousiasme voor het boek als een filmproject met een bevriende scenarioschrijver, Mr. Cocks. Het resultaat weergalmt op het scherm met een dodelijke kracht en woede die intenser is dan alles wat Mr. Scorsese tot nu toe heeft bereikt in de gemeenste en meest geliefde straten die hij zich kon voorstellen of herinneren.
De film is veel bekritiseerd omdat hij snel en losjes speelde met de historische feiten van de periode - meestal de jaren 1860 - en het milieu: de Five Points-buurt in Lower Manhattan. Toch kan ik me niet voorstellen dat het onderwerp ooit zou zijn aangepakt door een filmmaker die minder emotioneel bij het materiaal betrokken was dan meneer Scorsese. Daarom ben ik hem veel dank verschuldigd voor het maken van de film in deze zeurderige tijd, wanneer te veel mensen blijven brabbelen over hoe New Yorkers hun onschuld sinds 9/11 hebben verloren.
Gangs of New York begint met een uitgebreide en massale strijdscène die rivaliserende bendes van nativistische anti-katholieke en Iers-katholieke immigrantenovertuigingen verwikkelt. De setting is ogenschijnlijk de laag-Manhattan-ketel van armoede, misdaad en onverdraagzaamheid, bekend als de Five Points, circa 1846, maar de primitieve wapens van de strijders - dwz bijlen, messen, zwaarden en knuppels - geven het spektakel een middeleeuws uiterlijk en geluid . Mel Gibson's Braveheart (1995), met zijn Schots/Britse brouhaha, komt voor de geest als de Hibernian-bende van Five Points, de Dead Rabbits, geleid door Liam Neeson's priester Vallon, de dominante protestantse hordes onder leiding van Daniel Day-Lewis' charismatisch weergegeven confrontatie. William (Bill the Butcher) Snijden. Op een meer persoonlijk niveau doet de strijd denken aan Sergio Leone's Once Upon a Time in the West (1969), als een kind-jonge Amsterdamse Vallon (Cian McCormack) - ziet hoe zijn vader sterft door toedoen van Bill the Butcher en zweert om hem te wreken. Maar als meneer Scorsese en zijn medewerkers zich 16 jaar later, midden in de burgeroorlog, in de geschiedenis en sociologie van de Five Points storten, wordt Gangs of New York te veelzijdig om ofwel de etnische vurigheid van meneer Gibson of Leone's visueel gefocuste emotionaliteit te leveren. .
Leonardo DiCaprio's volwassen Amsterdam Fallon insinueert zichzelf met succes in het vertrouwen van Bill the Butcher en zijn bende, maar de groeiende fascinatie van Amsterdam voor de moordenaar van zijn vader lijkt zijn vastberadenheid om wraak te nemen, te verzwakken, zoals Hamlet. Ik weet niet wat er gebeurde tijdens het schrijven en filmen van de film, maar ergens langs de lijn werd Bill the Butcher van Mr. Day-Lewis de Claudius die de show steelt van Mr. DiCaprio's Hamlet.
Beide personages genieten van de gunsten van de wulpse zakkenroller Jenny Everdeane, gespeeld met ruige sportlust door Cameron Diaz, waarschijnlijk een grotere kassanaam tegenwoordig na Charlie's Angels dan Mr. DiCaprio of Mr. Day-Lewis. Toch is er iets te veel ambiguïteit en complexiteit in de ontwikkeling van de hoofdpersonen en hun verschillende oorzaken voor de moreel simplistische, manicheïsche eisen van populaire heldendichten met duidelijk gedefinieerde helden en schurken.
Dit wil niet zeggen dat de mise-en-scène van Mr. Scorsese ooit minder dan verrukkelijk is in zijn nachtmerrieachtige recreatie van de Five Points-razernij door het prachtige productieontwerp van Dante Ferretti, dat gebruikmaakt van sets die helemaal opnieuw zijn gebouwd in de Cinecitta-studio's in Rome. Men voelt zich gevangen in een verleden waaruit geen ontsnappen mogelijk is, aangezien de geschiedenis van de parochiale bendes explosief botst met de Amerikaanse geschiedenis in de climax, beruchte ontwerprellen van 1863, die zowel de raciale onverdraagzaamheid van de Ieren tegen de zwarten verlichtten, in de afschuwelijke vorm van verschillende lynchpartijen en het onderliggende onrecht van rijke mannen die - niet minder door de regering van Abraham Lincoln - zich uit de dienstplicht hebben weten te kopen voor $ 300, een onbereikbaar bedrag voor de door aardappelhongersnood gedreven Ierse immigranten . Het gerucht ging dat de gangbare prijs voor de knuppels van de Nationale Garde, die de dienstplichtontwijkende plutocraten van de generatie van George W. Bush in staat stelden Vietnam te mijden, $ 5.000 dollar was - een redelijke escalatie voor een eeuw aan inflatie.
De rellen zelf en hun brute onderdrukking markeren een bloedig hoofdstuk in de geschiedenis van zowel New York City als de natie. Het valt nog te bezien of het publiek met enig spoor van historische nieuwsgierigheid groot genoeg is om Gangs of New York op zijn minst break-even te maken. Maar met jonge bioscoopbezoekers die schijnbaar ongeïnteresseerd zijn in de jaren zestig, is het moeilijk in te zien hoe een film over de jaren 1860 hen weg zal slepen van hun glimmende nieuwe videogames.
Voor de rest van ons is Gangs of New York nooit minder dan interessant, en heel vaak opwindend en boeiend. Het geweld is soms gruwelijk, maar nooit gratuit. Uiteindelijk is het waar we ooit waren in het beloofde land dat we Amerika noemen, en het zou heel volwassen voor ons zijn om het te onthouden. De film wordt enorm geholpen door de overtuigende karakteruitvoeringen van Jim Broadbent als de cynische en corrupte Boss Tweed, John C. Reilly als de Iers-Amerikaanse overloper in een anti-Iers gemeentebestuur, Brendan Gleason als een Iers-Amerikaan politieke martelaar en David Hemmings als een hypocriet meelevende conservatief van die tijd.
Tijdige oppervlakkigheid
Chicago van Rob Marshall, naar een scenario van Bill Condon, is vrij aangepast van het musicalstuk Chicago uit 1975, geregisseerd en gechoreografeerd voor het podium door Bob Fosse, met muziek van John Kander en teksten van Fred Ebb. Maurine Dallas Watkins schreef het originele stuk in 1926 met de titel The Brave Little Woman , die op zijn beurt twee films inspireerde, Frank Urson's stille Chicago in 1927 (naar een scenario van Lenore J. Coffee, met Phyllis Haver als Roxie Hart), en William A. Wellman's Roxie Hart in 1942 (naar een scenario van Nunnally Johnson, met Ginger Rogers in de titelrol).
In al zijn incarnaties tot nu toe in de afgelopen 75 jaar of meer, heeft het basisverhaal niets van zijn oppervlakkige actualiteit ingeboet. Inderdaad, moordzaken tegen beroemdheden ten gunste van het hongerige, door de media gemanipuleerde publiek zullen waarschijnlijk altijd bij ons zijn, wat meer is dan men kan zeggen voor het Hollywood-muziekgenre, geboren met de komst van geluid in de late jaren 20 en bloeiend in de De jaren '30 tot de jaren '50, om in de afgelopen decennia vrijwel te verdwijnen - voornamelijk vanwege het groeiende belang voor Hollywood's bottom line van buitenlandse markten, waarnaar Amerikaanse musicals niet goed reizen.
Het huidige Chicago is door veel van mijn collega's geprezen als de musical die het stervende genre opnieuw zou kunnen beginnen. Het is hoe dan ook een enorme verbetering ten opzichte van Baz Luhrmanns Moulin Rouge (2001), een pompeus overvolle maskerade die zich voordoet als een musical. Chicago is inderdaad in veel opzichten een bewonderenswaardige prestatie. Het slaagde met verschillende gokjes, waaronder de casting, aanpassing en montage, die de presentatie splitst tussen de droomwereld en de zogenaamd echte wereld, tussen het theater van de geest en het theater van de jaren '20 Chicago - en, het gevaarlijkst, tussen muzikaal geschoolde hoewel niet al te ervaren muzikale artiesten zoals Catherine Zeta-Jones, Queen Latifah en (het meest verrassend van al) John C. Reilly, en relatief amateuristische maar getalenteerde snelle studies zoals Renée Zellweger en Richard Gere.
Mr. Marshall's Chicago is een musical met twee diva's, met mevrouw Zellweger als Roxie Hart en mevrouw Zeta-Jones als Velma Kelly, Roxie's bittere rivaal totdat ze een combinatie vormen voor hun laatste verzilvering van hun vrijspraak -for-moord nummer, uitgevoerd onder applaus van een stad. Maar men zou in feite kunnen opmerken dat Velma niet als personage verscheen in een van de twee vorige films of het originele toneelstuk; ze maakte haar debuut in de toneelproductie van Bob Fosse uit 1975, waarbij Gwen Verdon de rol van Roxie Hart danste en zong, en Chita Rivera danste en zong in de rol van Velma Kelly.
De chemie tussen mevrouw Zellweger en mevrouw Zeta-Jones is koeler en veel minder gezellig dan die tussen Marilyn Monroe en Jane Russell in Howard Hawks' Gentlemen Prefer Blondes (1953), van het scenario van Charles Lederer, gebaseerd op de roman van Anita Loos, met liedjes van Jule Styne en Leo Robin - bijgevolg is Chicago bijna per definitie een musical zonder hart: een ingrediënt dat de meesten van ons nodig hebben en verwachten in een musical, of we ervoor kiezen om het toe te geven of niet. Roxie en Velma zijn allebei terminaal egoïstisch en egocentrisch, met hongerige, behoeftige ego's die beter spelen op de broze, hyperverfijnde podia van Broadway dan op de zilveren schermen van de wereld.
Hier komt een merkwaardige paradox om de hoek kijken in de iconische interactie tussen mevrouw Zellweger en mevrouw Zeta-Jones. Hoewel mevrouw Zeta-Jones in haar vorige rollen een aantrekkelijk volle schoonheid was, heeft ze nooit veel warmte of gevoel gegenereerd. Ze is dus perfect gecast als Velma. Mevrouw Zellweger is een heel ander verhaal, omdat ze haar diepste gevoelens heeft gepareerd met slechts een matige goede looks om de harten van het publiek te winnen. Gelukkig is ze niet zonder humor en ironie om de pure bitchiness van haar karakter in Chicago te verzachten. Maar haar wreedheid jegens haar man - gespeeld met naïeve adel door meneer Reilly - maakt haar minder sympathiek. Het punt is dat de personages van Monroe en Russell elkaar erg leuk vonden, en dat is een van de redenen waarom hun verbintenis zo gedenkwaardig is gebleven. Toch moet je Chicago zien, al was het maar om te zien wat ik bedoel en misschien niet met me eens.
Heerlijke Dickens
Nicholas Nickleby van Douglas McGrath, naar zijn eigen scenario, gebaseerd op de roman van Charles Dickens, blijkt gelukkig meer in overeenstemming te zijn met de kerstsfeer dan alle films van de kerstman bij elkaar. Het is een magere maar niet bloedarme Nickleby die Mr. McGrath heeft gevormd uit de 816 pagina's tellende Dickens-roman, waarbij het centrale verhaal vrolijk en ontroerend boeiend blijft. De film is verrijkt met een fantasierijk gemengde cast van antieke geesten, aangevoerd door Christopher Plummer als de subtielste en meest complexe kwaadaardige oom Ralph die ik ooit heb gezien in de vele film- en toneelbewerkingen van het werk. Niet ver daarachter bevinden zich Jamie Bell als de noodlottige Smike; Jim Broadbent als de sadistische Wackford Squeers; Juliet Stevenson als de angstaanjagende mevrouw Squeers; Tom Courtenay als de dronken maar altijd behulpzame klerk, Newman Noggs; Nathan Lane als de heerlijk hammy theatrale impresario, Vincent Crummles; Barry Humphries (ook bekend als Dame Edna Everage) als mevrouw Crummles; Timothy Spall als een van de vrolijke tweelingen, Edward Fox als de wellustige Sir Mulberry Hawk; en Alan Cumming als een meer eervolle aristocraat, Mr. Folair.
De relatief rechte stukken van Nicholas Nickleby zelf (Charlie Hunnan), zijn geliefde Madeline Bray (Anne Hathaway), zijn behoeftige moeder (Stella Gonet) en zijn belegerde zus Kate (Romola Garai) zijn minder imposant uitgevoerd dan die van de excentriekelingen, maar Dickens was altijd comfortabeler en creatiever met zijn wrange wezens dan met zijn witbroodhelden en heldinnen.
Hitlers jeugd
Menno Meyjes' Max, uit zijn eigen scenario, neemt ons mee naar München in 1918, wanneer twee terugkerende, Duitse veteranen versloegen - een fictief, een rijke joodse kunsthandelaar genaamd Max Rothman (John Cusak), en de andere een 30-jarige aspirant-schilder genaamd Adolf Hitler ontmoeten en raken tijdelijk bij elkaar betrokken op wat een cruciaal moment in de wereldgeschiedenis blijkt te zijn. De what-ifs die erbij betrokken waren, hebben sommige mensen beledigd, maar ik vond de film fascinerend vanwege de subtekst over kunst en politiek, toen en nu.
