Grof, onzedelijk en schaamteloos zijn drie woorden die Adam Sandler-films in het algemeen, en 50 First Dates in het bijzonder, vrij nauwkeurig beschrijven. Net als zijn valentijnskaart The Wedding Singer uit 1998, combineert deze vermeende nieuwe komedie de alumnus van Saturday Night Live met het leverworstgezicht met de bruisende, grote ogen Drew Barrymore, die een mooi rijsmiddel is voor de lelijke, schurende en griezelige persoonlijkheid die Mr. Sandler (en een altijd verbijsterende broederschap van misleide filmcritici die zich voeden met smakeloosheid) noemt waarschijnlijk stijl. Toch zijn de gebruikelijke kletspraat en misselijkmakende, tweedejaars sentimentaliteit hier in overvloed: vrolijke grappen, woeste afranselingen, oude seniele mensen die smerig praten, en de zielige kliek van sociale en medische buitenbeentjes die de portefeuille van de heer Sandler van standaard debiele slappelingen als kampioenen behandelen en helden.
De niet-bestaande plot herwerkt Harold Ramis 'film Groundhog Day uit 1993, waarin Bill Murray een cynische weerman speelde die gedoemd was om de gebeurtenissen van 2 februari steeds opnieuw te beleven totdat hij leerde empathischer te worden voor het Punxsutawney-knaagdier dat op zoek was naar zijn schaduw. Als zijn personage vastzat in het vagevuur, is het personage van Drew Barrymore, Lucy, veroordeeld tot het ongewisse. Een medisch fenomeen dat alleen in gebroken tijd leeft, ze is een kunstlerares die een hoofdletsel opliep bij een auto-ongeluk. Nu verliest ze elke nacht haar kortetermijngeheugen en wordt ze elke ochtend wakker met de gedachte dat het weer de dag van het ongeluk is, en dat is ook de verjaardag van haar vader. Om redenen die je niet wilt weten, gaan haar hatelijke vader (Blake Clark), steroïde-gepompte broer (Sean Astin) en verschillende inheemse hoeladansers (verwaarloosde ik te vermelden dat het allemaal op Hawaii plaatsvindt?) mee met de grap , zelfs kijken naar een nachtelijke herhaling van The Sixth Sense en veinzen schok en verrassing elke keer dat Bruce Willis een geest blijkt te zijn. Wanneer de waantherapie verveelt, komt Mr. Sandler binnen als een mariene dierenarts en veroveraar van vrouwelijke toeristen genaamd Henry. Hij valt voor Lucy zodra hij haar in een restaurant ziet, waar ze een huis maakt van een stapel wafels. Ze snuffelt graag aan zijn vingers omdat ze naar makreel ruiken. Dat is gewoon het misselijkmakende schone deel. De misselijkmakende vuile delen vallen sneller wat er nog over is van je eigen brein aan dan je Farrelly Brothers kunt zeggen.
In elke Adam Sandler-film wordt gelachen met homo's, senioren, dwarslaesies, mensen in gekkenhuizen en rolstoelen. Maar is het niet merkwaardig dat de enige persoon die er in al deze films beschadigd en sub-mentaal uitziet, Adam Sandler zelf is? In de onaangename 50 First Dates lijken zijn tekortkomingen zelfs dodelijker dan in de verdovende pretentieuze Punch-Drunk Love. Terwijl het slappe script van George Wing zichzelf opvult tot een ondraaglijke speelduur van 95 minuten met een reeks eindeloze dates waarop Lucy denkt dat ze Henry voor het eerst ontmoet, worden de repetitieve kus-en-knuffelscènes gecompenseerd door regisseur Peter Segal's inzet om overkill uit te bannen. In elke fase van de romance dwaalt de film af naar zoveel scatologie en kinderlijke adolescentie dat het lijkt alsof het door Mr. Segal is geregisseerd met een vinger in zijn keel. De heer Segal is de man die verantwoordelijk is voor Anger Management en Nutty Professor II: The Klumps, naast andere imbeciele schande, dus niemand zal deze crypte waarschijnlijk betreden op zoek naar subtiliteit, frisheid of stijl.
Maar zelfs voor Hollywood-normen, wat voor soort geest slam-dunk je met een combinatie van zoveel toilethumor en fysieke mishandeling tegelijkertijd? Bereid je voor op gruwelijke kleuterfragmenten over gekneusde testikels, een walrus die overvloedig braakt en een bijna hermafrodiet. (Zou het een of het ander niet voldoende zijn geweest?) Lucy's vader imiteert en bespot het spraakgebrek van zijn zoon wreed. (Zijn de overdreven borstspieren van de jongeman niet genoeg?) We worden allemaal aangemoedigd om uitbundig te lachen om een geesteszieke patiënt met hersenbeschadiging, en een zieke grap over Gary Buseys bijna fatale, levensechte motorongeluk valt zo plat als olifantenpoep. Dan is er de hammy, overspannen uitvoering van eeuwigdurende Sandler-repertory-sidekick Rob Schneider, als een Hawaiiaanse drugsverslaafde met een donkere huid en pidgin-Engels die steeds nieuwe manieren vindt om de wonden op zijn maag open te scheuren van een haaienbeet.
Stom, grof en verschrikkelijk ongrappig, dit is het soort film waarvan je moet bidden dat er een echte levende tijgertand in het midden van een scène zou verschijnen en zelf blijvende schade zou aanrichten. Nu is er een wrede grap die me echt in de steek zou laten.
Oversekst trio
Ondanks alle hype en controverse rond zijn kinky seks en volledige mannelijke naaktheid, is Bernardo Bertolucci's The Dreamers een film die zweet om te bevelen, maar er niet in slaagt de aandacht vast te houden. Het is zwaar en irritant unsexy. Bedwelmd door cinema en de Kama Sutra, heeft Bertolucci, in zijn laatste paar films, de hormonen verlaten waarmee hij Marlon Brando, in Last Tango in Parijs, dreef om het enige gebruik voor boter aan te tonen dat Julia Child nooit was opgekomen. Maar in The Dreamers, dat zich afspeelt in Parijs tijdens de turbulente lente van 1968, keert Mr. Bertolucci terug in zijn liefde voor zijn drie favoriete onderwerpen: seks, films en politiek. Alle drie waren ze toen op volle toeren en voedden ze de revoluties van de chaotische jaren 60. Het jaar was een tijd van stakingen, studentenprotesten, politieke schandalen en woedend, kettingrokend hedonisme, toen Henri Langlois uit de halcyon-zalen van de Cinematheque Française in Parijs werd verdreven en menigten van oproerkraaiers zich aan de poorten vastketenden met New Wave iconen als François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo en Simone Signoret. Nieuwkomer Bertolucci, een voormalige assistent van Pier Paolo Pasolini die na zijn eerste film in 1962 de heilige gelederen toetrad, was erbij en de adrenaline van het geheugen giert duidelijk nog steeds door zijn brein. Het is de laatste keer dat genoeg mensen zo werden beïnvloed door de filosofie die ze op het scherm tegenkwamen dat ze bereid waren de barricades te bestormen en de politie te bestrijden met knuppels en traangas om de films van Nicholas Ray te verdedigen.
Aangepast door Gilbert Adair uit zijn roman, vertelt The Dreamers de ervaringen van Matthew (Michael Pitt), een eenzame, naïeve Amerikaanse student en onverzadigbare cinefiel die dag en nacht in de Cinematheque rondhangt. Met een vleugje cognac en een speling van het lot ontmoet hij Isabelle (Eva Green) en Theo (Louis Garrel), exotische Franse tweeling wiens excentrieke ouders lang op vakantie zijn gegaan en de broers en zussen alleen hebben gelaten in de rommelige, ruime en ietwat chagrijnige familie appartement. Binnen twee dagen verhuizen de broer en zus Matthews spullen uit zijn hotel en naar hun flat, waar ze flirten, fascineren, romantiek en hem verleiden tot een ménage à trois die zijn hele leven verandert. Hier is een beleefde, zachtaardige, strakke Amerikaan uit San Diego met een achtergrond van groene gazons, stationwagons en Brooks Brothers-button-downs, wiens seksuele fatsoen geleidelijk wordt verminderd door een incestueuze broer-zus-handeling die hem graag wil inwijden in de bohemienspelletjes van hun eigen onconventionele seksuele revolutie. Het is net zo goed een film over film als over copulatie. Aangezien de verwijzingen van het oversekste trio naar de ervaringen van het leven allemaal beperkt zijn tot scènes uit films die ze op het scherm hebben gezien, knipt Bertolucci naar filmfragmenten van Chaplin, Garbo in Queen Christina, Fred en Ginger en, natuurlijk, de onuitwisbare eerste indruk van elke Amerikaan van Paris-Jean Seberg verkoopt de International Herald Tribune aan de Rue l'Opera in Breathless. Matthew zweeft in een seculier bestaan van incestueuze decadentie, geeft zich over aan elk seksueel experiment met totale overgave, totdat de avonturen in de door rellen verscheurde straten buiten het ontwaken in de bedden binnen inhalen, en de weg naar volwassenheid en zelfontdekking eindigt in scheiding. Matthew realiseert zich eindelijk dat er meer in het leven is dan niet-specifieke genderorgasmes. De vraag is: hoe zit het met een vervolg, waarin hij zijn geile transformatie weer op de proef stelt onder de palmen van San Diego?
Er is veel seks, maar het meeste is zwak en geen ervan is erg pulserend. De acteurs zijn bijna rood van schaamte, en met uitzondering van Eva Green - die kreunt met gesimuleerde lust als een pornokoningin - lijkt niemand erg opgewonden. Mr. Pitt, een intens onhandige acteur uit Brooklyn met tarwekleurig haar en gezwollen lippen, ontbloot zijn achterste en zijn johnson, maar hij is te mager en preuts om veel koorts op te wekken. Het barokke Parijse atelier waar de jeugd zijn fantasieën uitwerkt, geeft de film een mooie, gedempte kwaliteit die zich zelden aan het daglicht waagt, maar dit is een kortzichtig onderwerp dat Bertolucci niet helemaal succesvol weet uit te breiden buiten zijn eigen persoonlijke visie. Het Franse politieke klimaat van 1968 is in 2004 geen onderwerp waar veel mensen nieuwsgierig naar zijn, en de seks is niet erotischer dan Janet Jackson bij de Super Bowl. Het is een film over jeugd en passie die oud en passieloos lijkt.
Kan-kan kan!
Can-Can, de eerste toegiften! productie van 2004, verdreef de mythe dat deze populaire serie geënsceneerde concertversies van oude Broadway-musicals zijn nut en populariteit heeft overleefd. Je zou het niet weten van het geschreeuw van goedkeuring dat weerkaatst tegen de balkonbalken van het stadscentrum. Een vraag knaagt echter. Het oorspronkelijke doel van Encores! 10 jaar geleden was het reprise van shows die niemand in jaren had gezien, gemonteerd zonder decors of kostuums, met de hele cast met boeken en libretto's in hun handen en het uitvoeren van verwaarloosde, vaak vergeten partituren die een tweede blik waardig waren. Komt de schuimige maar lege Can-Can van Cole Porter in aanmerking? Misschien is het niet veel gezien sinds de opening in 1953 met beslist gemengde recensies, met een cast met Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon en Hans Conried, maar het liep twee jaar en won Tony Awards voor Gwen Verdon en de choreografie door Michael Kidd, dus wie zou het obscuur noemen? En we kunnen nu naar onze respectievelijke hoeken van de ring gaan en ruzie maken over de vraag of het het waard is om ooit nog een keer opgevoerd te worden. Het boek van Abe Burrows was altijd plat, maar in 50 jaar is het haar gegroeid. En ondanks hun tijdbestendige duurzaamheid, zijn hitnummers als I Love Paris, C'est Magnifique en It's All Right with Me altijd een van mijn minst favoriete vermeldingen in de Cole Porter-catalogus geweest. Bovendien vind ik Michael Nouri een lox gemaakt van cipres, en ik ben altijd volledig allergisch geweest voor het gekrijs van Patti LuPone.
Dat gezegd hebbende, moet ik nu in een groot stuk nederige taart bijten en toegeven dat ik een prima tijd heb gehad bij Can-Can. De eendimensionale plot over een strijd die uitmondt in een liefdesaffaire tussen een gespannen rechter genaamd Aristide, die zweert de censuurwetten van 1893 te handhaven door alle suggestieve openbare danstentoonstellingen te verbieden die de lage instincten van ondeugende Parijzenaars zouden kunnen aanmoedigen of voeden, en de pittige La Mome Pistache, eigenaar van het beruchte Bal du Paradis-cabaret in Montmartre, waar de illegale can-can een nachtelijke trekking is, is net zo wegwerpbaar als altijd. Alles leidt tot het proces, waar in de rechtszaal slechts één ding de wet zal veranderen, de jury zal beïnvloeden en de ijzige harten van de rechters zal doen smelten: kom maar op met de can-can! Het is onbeschrijflijk oubollig, met een opdringerige quadrille, Garden of Eden-ballet en fakkelende apache-dans die allemaal slechts plichtmatig waren. Maar er waren ook een paar onmiskenbare genoegens: het tweede bananencomplot over Boris, een pompeuze, uitgehongerde Bulgaarse kunstenaar, en zijn lankmoedige vriendin Claudine, een can-can-danseres, werd enorm versterkt door de razend charmante Reg Rogers en de libidineuze , langbenige Charlotte d'Amboise. En als de mollige Pistache vond Patti LuPone eindelijk een rol die haar stem en haar korset vulde. Ze was de slechtste Annie Oakley die ik ooit heb gezien, en als een noodlottige Reno Sweeney in Anything Goes kon ik geen woord verstaan dat ze zei (of zong). Maar in Can-Can was ze een belle époque cupcake die het podium bezat. Haar zang steeg zonder koper of plat te zijn, haar zoute acteerwerk overtuigd zonder gespannen of scherp te zijn. Telkens als ze in de coulissen stond te wachten, hoorde je het publiek de aandacht verliezen. Toen ze terugkwam, schrijdend maar niet schel, kwam iedereen in volle aandacht, klaar om te salueren. Dit is een knip-en-plak-productie, professioneel geregisseerd door Lonny Price, van een show die ik gemakkelijk kan aanraden, in de tekst van Cole Porter, aan allez-vous-en. Ik wil Can-Can nooit meer zien of horen, maar als een zeldzame showcase om de beste kwaliteiten van Patti LuPone in de schijnwerpers te zetten, kwam de songtitel C'est Magnifique verrassend uit.
